Neoimpresionismo

En 1884 ocurrió un acontecimiento importante para el mundo del arte con repercusiones para el futuro: se creó la Sociedad de Artistas Independientes. Era un organismo permanente que admitía a todos los artistas sin discriminación. Las reuniones en las que se gestó esta Sociedad se celebraron en el café Marengo, y en ellas se conocieron Seurat y Signac.

Estos jóvenes artistas estaban intentando salir adelante con un estilo muy original que tiene su origen en la radicalización de los métodos Impresionistas de mezcla óptica y contraste de complementarios.

Expusieron sus obras por vez primera en el Salón de los Independientes ese mismo año de 1884. A ellos dedicaremos esta sección. Primero introduciremos los orígenes y fundamentos pictóricos del nuevo método propuesto por Seurat y Signac, y que acabaría llamándose Neoimpresionismo, puntillismo o divisionismo.

Posteriormente estudiaremos con algún detenimiento la obra y el estilo de los dos representantes más destacados del Neoimpresionismo: Georges Seurat y Paul Signac.

Bibliografia:

http://www.ite.educacion.es/w3/eos/MaterialesEducativos/mem2006/impresionismo/xhtml/04neoimp/04.html

Artistas Impresionistas

Edgar Degas "Bailarinas en rosa"

Paul Cézanne "Los jugadores"

Vincent Van Gogh "Terraza del café de la Place"

Pierre Auguste Renoir "Baile en Bougival"

Edouard Manet "Olympia"

Claude Monet "El estanque de las ninfeas"

Características del Impresionismo

El Impresionismo trajo consigo toda una nueva oleada de tendencias y facetas que antes no habían sido experimentadas de forma más generalizadas. Como ya se mencionó, la importancia de la luz fue una de ellas, haciendo de los paisajes pintados al aire libre, un sello distintivo de este periodo. Los descubrimientos en materia de la física, sobre la naturaleza de la luz, despertaron en los pintores un interés más vivo sobre los fenómenos luminosos y su aplicación a la pintura. “La luz es el vehículo necesario de toda impresión visual, por lo que es lógico que constituya la primera y principal preocupación del pintor” (Stagno, 2000 p.2).

A su vez se incorporaron los estudios de la Teoría del Color, la cual cambiaria la gama de colores que venía utilizándose hasta el momento. De acuerdo a Stagno (2000), los impresionistas compusieron una paleta de colores puros, haciendo a un lado los tonos oscuros, neutros y grises que no aparecen en el espectro solar. Es así que el resultado, es una pintura luminosa, de tonalidades vivas y claras.

También hay que tomar en consideración otras innovaciones y reglas del artista arte introducidas durante este periodo, las cuales a continuación se mencionan: el debe pintar lo que ve, aquello que percibe, usando la sensación que reciben sus ojos. Puede ser que las cosas sean de forma diferente a como las percibe, sin embargo, lo importante es transmitir la impresión visual.

Tanto la luz, como lo que emite, influye en el aspecto final de las cosas que se pretenden retratar. La atmósfera, el día, la estación cambian los colores, de tal modo que las cosas no son iguales a sí mismas conforme pasa el tiempo.

A su vez, otro postulado impresionista es que en la naturaleza no existe el negro, “…por lo que las sombras más oscuras tendrán cierto grado de claridad, proveniente de los reflejos de las cosas circundantes y del aire atmosférico que las envuelve. El efecto general será, pues, de gran claridad” (ArteEspaña, 2005, p.3).

Para lograr la limpia intensidad de la luz real, los colores no se mezclan en la paleta, sino que se aplican por separado para así obtener el tono deseado, a través de la combinación óptica. Es por ello que la mayoría de los impresionistas trabajaron con una serie de colores limitada a los del espectro solar, o sea, rojos, amarillos, violetas, azules y, en menos proporción, el blanco.

Según ArteEspaña (2005) los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Es por ello que ofrecían una ilusión de la realidad, aplicando directamente sobre el lienzo, pinceladas de color cortas y yuxtapuestas. Los impresionistas pintan de preferencia al aire libre, y la pintura, gracias a este procedimiento, se enriqueció con nuevos temas: calles trepidantes, jardines públicos, el mundo animado de las estaciones ferroviarias, las carreras de caballos, las bailarinas, manifestándose en todos ellos la preocupación por recoger los efectos de la luz.

El impresionismo ha sido de los movimientos pictóricos más importantes que se han presentando en la historia del arte. El rompimiento que representó en su momento dio paso a expresiones de arte jamás antes vista, que llevaron al lema de “El arte por el arte”. Se representaron otros aspectos de la cotidianeidad de los artistas, dejando a un lado los temas y prácticas que eran aceptadas por el sistema de arte que prevalecía en esos momentos.

Bibliografía

ArteEspaña . (2005). El Impresionismo y la Pintura Impresionista. Consultado el 27 de octubre del 2009, disponible en: http://www.arteespana.com/impresionismo.htm

MSN Encarta (2008). El Impresionismo. Consultado el 29 de octubre del 2009, disponible en: http://mx.encarta.msn.com/encnet/refpages/RefArticle.aspx?refid=761553672&vv=650

Stagno, G. (2000).El Impresionismo. Consultado el 27 de octubre del 2009, disponible en: http://www.geocities.com/impresionismo2000/quefue.htm

Contexto del arte Impresionista

El arte impresionista representa el quiebre más importante, hasta el siglo XIX, con la Academia Francesa de Bellas Artes, la cual regía la forma en la cual debía realizarse e interpretarse el arte.

Los artistas predecesores a este movimiento fueron desde Rembrandt, Velázquez, Hals, Watteau, Fragonard, Goya y Delacroix –entre muchos otros-, los cuales ya habían comenzado a ponerle énfasis al tema de la luz y a los cambios que ésta creaba sobre las cosas. También se debe tomar en cuenta, como parte de los antecedentes, los trabajados de los paisajistas ingleses: Richard Bonintong y sus compatriotas Turner y Constable.

El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. De acuerdo a MSN Encarta (2008) el impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

A pesar de las influencias antes mencionadas, el Impresionismo como tal nació en Francia en la segunda mitad del siglo XIX, tras la controversial pintura de Claude Monet “Impresión, sol naciente” de 1874 –la cual entro dentro de las obras de “Los Rechazados” y no en el Salón Oficial de la Academia.

El término fue adoptado oficialmente durante la tercera exposición impresionista en 1877. Los impresionistas fueron apoyados por notables miembros de la sociedad francesa, como los literatos Émile Zola y Charles Baudelaire, el pintor-coleccionista Gustave Caillebotte, y el marchante de arte Paul Durand-Ruel. Sin embargo la prensa y el público, acostumbrados al convencional estilo académico, se mostraron hostiles hacia el nuevo arte.

Arte Impresionista

Características de la pintura realista

Dentro del Realismo, se encuentra la Escuela de Barbizón, la cual se especializaba en la representación de la realidad a través de los paisajes. La escuela fue creada por Théodore Rousseau y la integraron un grupo de artistas que se propusieron construir un tipo de pintura diferente.

La pintura realista no introdujo grandes novedades en técnicas. Se revalorizaron los grandes maestros naturalistas del Barroco, especialmente los españoles e italianos. Su mayor innovación fue en los temas: el mundo del trabajo de los obreros y campesinos. La aparición de la fotografía en 1839 influyó poderosamente en el arte, haciendo ver de otra manera la realidad.

Según Educared (2009), estos artistas realizaron un estudio objetivo y directo de la naturaleza plasmando los sentimientos que ésta les despertaba. Es así que comenzó la pintura al aire libre -la cual tomaría mayor importancia con el Impresionismo-, tomaban sus apuntes directamente de la naturaleza y luego ejecutaban sus obras definitivas en el estudio.

Uno de los mayores representantes de esta escuela fue Jean François Millet. Él se distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos por el trabajo.

Sin embargo el exponente por excelencia del Realismo fue Gustave Coubert. Coubert estaba fuertemente influenciado por las ideas socialistas y positivistas –éstas últimas provenientes del filósofo llamado Auguste Compte, el cual abogaba por la experimentación y observaciones como fuentes máximas para el conocimiento.

Coubert pintó en toda su crudeza la miseria de la condición humana. Sus grandes telas de temas sociales resultaban escandalosas para los burgueses que las consideraban vulgares y feas. “Se distingue por su gusto por el claroscuro, por el dominio de los colores negros y pardos, abetunados y por sus anchas pinceladas espesas e irregulares, con ricos y gruesos empastes que aplicaba con la espátula” (ArteEspaña, 2008, p.2).

Los pintores realistas eran revolucionarios más por los temas que trataban que por sus técnicas. Se inspiraban en los grandes maestros barrocos, especialmente Caravaggio, Zurbarán y Velázquez.

Los elementos de poesía, melancolía y tristeza también están impregnados en las obras de pintura realista. Los volúmenes de la figuras son simplificados por el dibujo, en una atmósfera neblinosa, sin embargo la luz es importante, para explicar la unión del hombre con la naturaleza.

Bibliografía

ArteEspaña. (2008) Realismo pictórico. Consultado el 30 de octubre del 2009, disponible en: http://www.arteespana.com/pinturarealista.htm

Educared (2009). El arte del Realismo. Consultado el 30 de octubre del 2009, disponible en: http://portales.educared.net/wikiEducared/index.php?title=La_pintura_realista

Contexto de la pintura realista

El realismo surge como crítica al movimiento del Romanticismo, el cual reflejaba una perspectiva muy lejana a lo que en realidad existía.

A raíz del desencanto que prevalecía en la sociedad europea, a mitad del siglo XIX, los artistas dejan a un lado los temas de ensueño o evasión de la realidad. Los problemas socio-económicos se hacen presentes y con ello un profundo trastorno de la situación que imperaba. Después de la Revolución Francesa de 1848, los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar estas injusticias.

A su vez, la Revolución Industrial significó alteraciones en la concentraciones poblacionales, lo cual se reflejó en la creación de grandes centros urbanos, con altas concentraciones de habitantes. Además se dio la desaparición del artesanado, abriendo a una nueva clase media trabajadora.

De acuerdo a ArteEspaña (2008), la premisa del Realismo se basa en que en vez de soñar con la mejoría de la vida, hay que especular partiendo de la realidad. El hombre es representado en sus tareas normales y el tema de la fatiga se convierte en motivo de inspiración.

Realismo

Características de la pintura romanticista

El tratamiento de las figuras procuraba ser realista. Es por ello que se cuidaba que la ropa de los personajes correspondiera con la época histórica que pretenden representar, así como con el lugar en que tiene lugar la escena. Los temas más representados eran aquellos de trascendencia histórica, como la Revolución Francesa o el papel de Napoleón en la dinámica europea.

A raíz de que en el Romanticismo priman a los sentimientos por encima de la razón, concernirán al hombre las diferentes variaciones que de este estilo puedan surgir. Es así que dependiendo el país donde se haya desarrollado, serán las características que se le atribuyen, aunque sí existen varias características generales presentes en todas las versiones de Romanticismo. Una de ella, es que la técnica que predominó fue la del óleo sobre lienzo.

El romanticismo se caracterizó por la importancia del color por encima del dibujo. Se utilizaban pinceladas sueltas y rápidas, con las composiciones llenas de dramatismo y de dinamismo. El romanticismo francés prefiere plasmar escenas históricas, mientras que el romanticismo alemán y el inglés optan por representar la naturaleza.

Las principales inquietudes son la expresión, el movimiento y el color. A través de este tipo de arte se le otorga valor a la tradición popular, a los sentimientos patrióticos, al culto al héroe, la relación con la naturaleza y al respeto de otras culturas y pensamientos.

Son, en general, pintores barrocos los que influyen a los pintores románticos: la huella de Caravaggio se manfiiesta en Géricault; mientras que Rubens influye en Gros y Delacroix.

Como Gericault, la mayoría de los artistas románticos entran en el mismo patrón de personalidad que ArteEspaña (2009) menciona:

• artista disconforme con su entorno
• personalidad melancólica
• incomprendido, cayendo a veces en la locura
• crítico de lo que le rodea

La pintura romántica inglesa es digna de mencionarse, ya que artistas como John Constable y J. M. W. Turner plasmaron obras de paisajes como nunca antes se habían realizado. Se caracterizan por su descubrimiento de la naturaleza, con sus paisajes, la luz y los colores. El estudio de la luz comenzó a tomar importancia, ya que los paisajes eran pintados al natural y además se realizaban estudios de las nubes y sus variaciones en color.

Mientras tanto, en España uno de los grandes nombres del romanticismo fue el de Francisco de Goya quien a partir de 1790 y los procesos políticos que se vivían en su país (Guerra de Independencia), se dedicó a plasmar dramáticos, mezclando lo fantástico y lo real. La paleta clara de su primera época se oscureció, apareciendo en ocasiones, destellos de luz. Son obras típicamente románticas, dentro de la producción de Goya, La carga de los mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo.

Bibliografía

ArteEspaña. (2009). La pintura romántica. Consultado el 30 de octubre del 2009, disponible en: http://www.arteespana.com/pinturaromantica.htm

Contexto del arte romanticista

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII. Este periodo artístico representaba una crítica en contra del racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo. Es por ello que la característica fundamental es este quiebre con el pensamiento clasicista, dando preponderancia a los sentimientos y dejando a un lado los cánones establecidos hasta el momento.

El romanticismo en la pintura se extiende desde 1770 hasta 1870. El cambio se produjo cuando los filósofos alemanes, como Kant, empezaron a hablar de lo subjetivo y del sentimiento.

Los profundos cambios que se vivían en el momento, dan paso a la representación perfecta de las emociones y del instinto, al mismo tiempo que lo exótico y lo dramático toman un papel primordial. De acuerdo a Caballero (2007) el Romanticismo también se puede asociar el movimiento a la ideología burguesa, defensora de la idea de libertad, frente a las estructuras predominantes en las sociedades del Antiguo Régimen.

Bibliografía

Caballero, J. (2007). La pintura romántica. Consultado el 30 de octubre del 2009, disponible en: http://aprendersociales.blogspot.com/2007/04/la-pintura-romntica.html

Romanticismo

Neoclasicismo

El Neoclasicismo nace como respuesta a la extravagancia y exuberancia del arte Barroco. El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el interés surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las formas del Barroco.

España fue uno de los países donde el Neoclasicismo tuvo mayor auge, y se debió en parte a la influencia del exterior más que por una necesidad interna de renovación. El des

arrollo del barroco quedó interrumpido al sustituir en el trono de España a la dinastía de los Habsburrgo por la de los Borbones, con Felipe V.

En este contexto, la antigüedad clásica se convierte en el modelo a seguir. Artistas y aficionados viajarán a Roma para tomar modelos de la antigüedad imperial romana, y Roma se convierte en el centro internacional.

"Una de las características del neoclasicismo es que en la revisión de las culturas clásicas se concluye la preeminencia de lo griego sobre lo romano. Por ello, en el neoclasicismo, predomina la arquitectura inspirada en Grecia". (ArteEspana, 2008, p.2)

Pintura neoclásica

La pintura neoclásica es un movimiento pictórico aparecido nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, cuando se vio superado por elromanticismo. El neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo

Durante el siglo XVIII, sin embargo, parece que las divisiones entre ambos se hace más fuerte. El autor "clásico" da preferencia a la imitación de la naturaleza, a la grandeza, a la calma, a la idealización en un intento de aproximar lo que pinta al estado de perfección implícito en la naturaleza.

En la pintura donde hubo más dificultad para llegar a una estética neoclásica. Una de las razones fue la escasez de modelos antiguos, pues eran pocos los ejemplos de pintura que sacaban a la luz las excavaciones.

Sin duda el máximo auge de la pintura neoclásica se produce durante la Revolución Francesa y su máximo exponente será el pintor francés Jacques-Louis David. Es por ello que Francia es conocida como un centro artístico de esta época.

Otros autores que podemos considerar neoclásicos son el alemán Anton Raphael Mengs, el español Goya, el francés Ingres y el italiano Appiani.

La técnica en este periodo consistió en la preeminencia del dibujo y la forma, sobre el colorido. La luz se caracterizó por ser clara y fría que bañaba las escenas. A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro.

En las pinturas las neoclásicas no existen los colores pastel y de confusión; en lugar de ello, usan colores ácidos. La superficie del cuadro aparecía lisa, con una factura impecable en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador.

Escultura neoclásica

Ésta se caracteriza por la expresión serena, tal cual el estilo de los grandes escultores de la Antigüedad -lo cual contrasta con el realismo y expresionismo de la escultura barroca. Rechaza los efectos pictóricos, la teatralidad y el movimiento desbordado del Barroco.

Se evitan los fuertes contrastes de claroscuro y dotan a la representación de un modelado suave y de un acabado pulido y homogéneo. Interesa más, en general, la belleza puramente formal que la fuerza espiritual de la obra, por eso caen en la frialdad.

Los materiales que más fueron empleados son el mármol blanco y el bronce.

Y es aquí, durante este periodo, que la estatuaria monumental comienza a tener auge, dígase monumentos conmemorativos y las decoraciones escultóricas de los edificios.

Arquitectura neoclásica

De acuerdo a ArteEspaña (2008) existen algunos aspectos importantes que ponen de manifiesto los elementos clave de este periodo:

• Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.
• Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.
• Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
• Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
• Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas, etc.

Bibliografía

http://www.arteguias.com/neoclasico.htm

Arquitectura Barroca

La arquitectura barroca es aquella fase de la historia de la arquitectura europea que vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.

El término Barroco, derivado del portugués "barroco", "perla de forma irregular", se utilizó en un primer momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo. La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exhuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían encargado.

En algunos países europeos como Francia e Inglaterra y en otras regiones de la Europa septentrional se produjo un movimiento más racionalista derivado directamente del Renacimiento que se denominó Clasicismo barroco. A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando en Francia un movimiento derivado del Barroco que multiplicaba su exhuberancia y se basaba fundamentalmente en las artes decorativas que se denominó Rococó y se acabó exportando a buena parte de Europa.

Bibliografia:

http://www.arqhys.com/contenidos/barrocarquitectura-caracteristicas.html